miércoles, 28 de septiembre de 2011

ARTE GOTICO

ARTE GOTICO
La Escuela Flamenca pasó por varios momentos, produciendo los pintores más destacados del norte de Europa, no sólo incluían a los originarios de Flandes, sino también de las ciudades vecinas. A lo largo del tiempoAmberes, Brujas, Leyden, Amsterdam, etc. promovieron el arte de losPaíses Bajos e influyeron en toda Europa, especialmente España. La primera etapa de la escuela flamenca, ocurrida en el siglo XV y XVI la constituye el Gótico-Flamenco, de la cual trataremos en este capítulo.
"... Un primer momento en la pintura flamenca se da durante el gótico, llamándose «gótico-flamenco». También ha sido considerado como «Renacimiento nórdico» y «prerrenacentista»..." Se trata de un gótico con influencias renacentistas ...Los llamados «primitivos» flamencos fueron los primeros en popularizar el uso de la pintura al óleo. Su arte tiene sus orígenes en la pintura de miniaturas del periodo gótico final

La concepción medieval del artista como artesano hizo que muchos no firmaran sus obras y por ende se desconozca sobre sus biografías, sin embargo, entre los pintores del gótico-flamenco o gótico tardío destacan:Jan van Eyck (1390-1441), Hans MemlingRoger van der Weyden(1399-1464), Hugo van der Goes (1440-1482), Robert Campin(1378-1444) y Hieronymus Bosch llamado El Bosco. (1450-1516)

Esta corriente rechaza la exagerada belleza decorativa del gótico internacional. Los pintores flamencos colocan lo religioso en un mundo real, en un ambiente casi doméstico donde lo sagrado y lo cotidiano se combinan para obtener obras llenas de una profunda fe pero desarrolladas con gran naturalidad. 
 El retrato: adquiere una nueva dimensión, En la escuela flamenca se trata de resaltar la individualidad psicológica del sujeto. En algunos de ellos la figura se coloca frente a un fondo oscuro que no distraiga la vista y por lo tanto se concentre todo la atención en el modelo
Petrus Christus. Retrato de una joven muchacha. (30 x 22 cm.) Fue el pintor mas importante de Brujas después de la muerte de su maestro Jan Van Eyck, Su pintura realizada al oleo con veladuras se caracteriza por la minuciosidad y los colores nítidos. La modelo anónima refleja dignidad, y una discreta sensualidad.

JAN VAN EYCK. (1390-1441)Trabajó en Brujas. Quizàs es el mas grande los pintores flamencos. Su estilo corresponde al gótico tardío y anuncia ya el renacimiento nordico. Este periodo del arte flamenco se caracteriza por el naturalismo, por el uso de vivos colores al oleo, por la meticulosidad de los detalles y la representación del espacio tridimencional o uso de la perspectiva. La tridimencionalidad lograda por Van Eyck no es a través de un punto de fuga, sino por el uso de las "veladuras", es decir por la aplicaciónde tenues capas de óleos aplicadas unas sobre otras, con lo que se logra la reflexión de la luz y una sugestión de profundidad, es decir unaperspectiva falsa llamada trompe d'œil o trampantojo.
Muchas veces se ha atribuido a Van Eyck la invención de la pintura al óleo, si bien esta técnica ya era bastante conocida en Flandes desde el siglo XIV, no obstante la perfecciona con la formula del secado rápido, invento que permite las mencionadas veladuras. Felipe II, el bueno lo nombro pintor de la corte, cargo que conservo hasta su muerte. Su obra más famosa es elPolíptico de Gante o el Cordero Místico,


 Jan Van Eyck.- Políptico de Gante, o el cordero místico.- Óleo sobre madera. 167 x 72 cm (paneles de arriba) 134 x 237 cm (tabla inferior)- Considerada obra fundamental de la pintura holandesa. La tabla superior central está presidida por la figura de Cristo en majestad, entre la Virgen y San Juan Bautista, intercesores de la humanidad. Continúan a ambos lados los ángeles cantores y las figuras desnudas de Adán y Eva. En la tabla inferior se representa la adoración del cordero por los habitantes de la ciudad celestial, repartidos en cuatro grupos: a la derecha un grupo formado por los obispos y cardenales con sus birretas de color rojo y otro por las santas vírgenes. A la izquierda observamos, un grupo de personalidades del antiguo testamento y varios paganos prominentes, entre ellos el poeta romano Virgilio, vestido de blanco y tocado con una corona de laurel y atrás el cuarto grupo formado por hombres y mujeres de la Iglesia. La sangre del cordero cae en el cáliz y simboliza la celebración de la eucaristía. Los cuatro ángeles centrales portan los instrumentos de la pasión de Cristo, la columna en la que fue azotado, los clavos de la crucifixión, la lanza que le perforó el costado y la esponja utilizada para aplacar la sed. El Espíritu Santo esparce la luz por todo el prado. La fuente de la vida aparece debajo del altar, tiene forma de pila bautismal y representa la vida eterna.
La principal aportación de esta escuela es la utilización del aceite como aglutinante de los colores. El descubrimiento de la pintura al óleo no sólo implicó un enriquecimiento de la paleta cromática y que los colores se hicieron más brillantes, traslúcidos e intensos; sino quetambién se produjo una ilusión de la perspectiva a través de las "veladuras". Estas son capas de pinturas al óleo sobrepuestas que dan la sensación de profundidad, produciendo un fenómeno optico llamado "trampatojo". El gran maestro de la pintura al óleo fue Jan Van Eyck, primero en desarrollar la nueva técnica y lograr de manera convincente la representación de la luz natural.
Otra de las características de la escuela flamenca es el nuevo realismo, lleno de dramatismo que influyó por toda Europa, hasta España y el Báltico donde se realizan numerosas crucifixiones y piedades de extraordinaria expresividad, como reacción de la terrible Peste Negra.


ROBERT CAMPIN. (1375-1444). Tambien conocido como Maestro de Flemalle o Maestro de Merode. Fue un revolucionario de la pintura, no solo por ser uno de los primeros en utilizar la tecnica del oleo, sino tambien por realizar retratos como tematica principal de un cuadro, asi pinto a los burgueses y notables de su tiempo. Fue perseguido por motivos pol÷iticos y adulterio, no obstante su fama como pintor lo ayudo a evadir la justicia.Junto con Van Eyck se le considera creador del estilo flamenco, en clara ruptura con el estilo del gçotico internacional, es decir el decorativismo deja paso a un marcado naturalismo. Igualmente, varios autores lo consideran iniciador de pre=renacentismo nordico. 



Robert Campin. “La Virgen y el Niño delante de una pantalla de chimenea”.
1430. 63 x 49 cm. Estilo gótico-flamenco. La Virgen se encuentra en un ambiente de extremada sencillez doméstica; en vez del halo dorado, la santidad se marca con una pantalla de paja. En el extremo izquierdo, a través de una ventana abierta se observa una vista panorámica de una ciudad activa, dominada por una iglesia gótica y edificios holandeses de la época. Estos pequeños paisajes son muy frecuentes en la pintura flamenca.




 Roger Van der Goes.- Adán y Eva.
ROGER VAN DER WEYDEN. (1400-1464). Fue alumno de Jan Van Eyck y Robert Campin. Fue nombrado pintor oficial de Bruselas en 1436. Representço temas religiosos y notables retratos.
Como buen pintor flamenco, Van der Weyden va a dedicar especial atención a los detalles, el vivo colorido y el realismo de las figuras, a esto se debe añadir el dramatismo que caracteriza sus escenas, como elemento esencial de su pintura. Murió en Bruselas en el año 1464 después de haber trabajado para la alta nobleza flamenca, retratando a muchos de sus miembros. Su obra quizá más famosa es el descendimiento de Cristo.


 Roger Van der Weyden. El descendimiento de la cruz.
- La atmósfera de emoción intensa es lo más sobresaliente de esta tabla. Nueve figuras de tamaño natural rodean el cuerpo exánime de Cristo. María se desmaya a la de Cristo. El cuerpo de Jesús es sostenido por José de Arimatea la izquierda y por Nicodemo a la derecha. La cruz de reducido tamaño es simbólica del martirio. Maria Magdalena en el extremo derecho es reconocida por el tarro de ungüento y aceites con los que lavo los pies de Cristo. Las dos ballestas que aparecen en la tracería de ambos lados permiten identificar al donante de la obra, el Gremio de Ballesteros deLovaina. El craneo de Adan es un elemento constante en los temas del calvario, alude al triunfo Cristo sobre la muerte .

Mathias Grünewald forma parte, junto a otros pintores del norte, del llamado Gótico Tardío; fueron artistas de principio del siglo XVI, que a pesar de desarrollarse en coexistencia con otros pintores renacentistas (Durero, Cranach y Holbein), conservaron sus vinculaciones con la tradición y pensamientos góticos. De tal manera que en el norte de Europa, en la primera mitad del siglo XVI coexistieron las dos tendencias artísticas del gótico y del renacimiento.
 Matias Grunewald. La cruxifición

Hieronymus Bosch (El Bosco). (1450-1516), pintor y grabador holandés, nació en la ciudad de Hertogenbosch, no se tiene conocimiento de que haya salido de su ciudad de origen, ni siquiera a la cercana ciudad de Amberes. Su obra, por lo general de temática religiosa e iconografía demoníaca, se nutre de personajes fantásticos y paisajes oníricos que anticipan en cinco siglos el movimiento surrealista. 
El taller de pintura familiar fue heredado por su hermano mayor, por lo cual, al crear su propio taller tomó el nombre simplificado de su ciudad natal como distintivo, de allí que se le conozca como el Bosch, que latinizado se convirtió en el Bosco.
Contrajo matrimonio con una joven de familia acomodada, llamadaAleyt van Meervene, lo que le permitió acceder a la alta burguesía. Perteneció al movimiento Devotio Moderna, una cofradía religiosa formada por laicos dedicados al culto de la Virgen y a las obras de caridad. El Bosco destacó como pintor en su época y recibió muchos encargos, incluso Felipe II de España adquirió muchísimas de sus obras que actualmente se encuentran en el Museo del Prado.
Su obra es una crítica religiosa, retrata la oscuridad del alma y de una forma irónica da un mensaje moralista, la condena eterna en el Infierno por los pecados cometidos. Se valió de las fuentes de las costumbres populares para plasmar la debilidad humana, las tentaciones, la ignorancia, la peste, la guerra...
Sus obras se encuentran recargadas del personajes y alegorías sobre el pecado y el Infierno; al final sus cuadros tienen pocas figuras pero de gran tamaño. No obstante sus personajes continúan teniendo algo de caricaturas, con abundante sarcasmo e imaginería.


El Bosco. El jardín de las Delicias. 
Tríptico. Oleo sobre tabla, (206 cm x 386 cm, compuesto por tres tablas pintadas por ambos lados) Fue adquirida por Felipe II para adornar su dormitorio en El Escorial y actualmente se encuentra en el museo del Prado. Obra cumbre del Bosco llena de simbolos y metáforas. La visión del mundo y de la humanidad es pesimista y El Bosco de una manera irónica y con abundante imaginería trata de dar un mensaje moralizante. El trìptico cerrado representa al tercer día de la creación, un globo terraqueo en blanco y negro. 
En la tabla izquierda se encuentra el Jardín del Edén, aparece Dios, en la forma de Jesucristo con Adán y Eva, al lado se encuentra el árbol del bien y del mal (una palmera) con el Diablo enrrollado en forma de culebra y en el centro la fuente de la vida.
Al centro del jardín hay un lago, "el baño de Venus", que simboliza posiblemente la fuente de la etena juventud, a su alrededor hombres y mujeres cabalgan sobre animales.
En la tabla derecha, el infierno. La raza humana ha destruido el Paraíso y sólo con grandes dificultades es capaz de lograr la salvación.





GOTICO HOLANDES
 En Holanda, el arte gótico se introdujo partiendo de un centro de Flandes, la ciudad de Tournai. La catedral de esta ciudad es monumento importante del estilo románico, pero en la misma localidad hay cuatro iglesias más, genuinamente francesas, construidas en el siglo XIII. El edificio llamado Sala de los Caballeros, en el Binnenhof de La Haya, es el mejor monumento gótico de arquitectura civil en Holanda. Tanto en Bélgica como en Holanda abundan las casas particulares de estilo gótico; en muchas ciudades, ciertas calles se hallan aún como en la Edad Media. Así, por ejemplo, el famoso Grasslei o Muelle de la hierba de Gante (en el que aún se conserva una fachada del siglo XII, junto a otras del XIV y del XV), la plaza central de Delft, y el Kornmarkt o Grand Tlace de Bruselas cuyas fachadas fueron, sin embargo, casi todas renovadas a consecuencia del bombardeo de 1695.

Brujas, actualmente solitaria y silenciosa, se conserva como una ciudad momificada. Fue un centro de actividad comercial extraordinaria a mediados del siglo XV, y sus ricos mercaderes fueron verdaderos mecenas de las artes. Así, Brujas fue un verdadero núcleo de formación y expansión del estilo del Renacimiento para los países del centro y el norte de Europa. Sus calles tienen aún largas series de casas con fachadas góticas, del tipo tradicional de los Países Bajos, rematando en un piñón escalonado.
Los cuadros de los pintores de la época dan idea del confortable y lujoso interior de aquellas casas de los mercaderes flamencos, con los elegantes muebles, ricas alfombras y tapices orientales que alhajaban sus habitaciones, decoradas de arrimaderos góticos y sobriamente iluminadas por ventanales de vidrios de colores.



Iglesia Nueva (Nieuwe Kerk)

Este templo religioso ubicado frente a la Plaza Dam esta construido en ladrillos rojos. La Iglesia fue levantada en el siglo XII en estilo Gótico. Su planta es de cruz latina, sin torres campanarios y sólo una pequeña flecha destaca sobre el crucero. El ábside esta rodeado por capillas coronadas de pizarras piramidales. En su interior, el Altar Mayor se destaca por la calidad de sus esculturas, así como el gran órgano que data del siglo XVII. Aquí se han celebrado coronaciones de soberanos del país y es también panteón de figuras destacadas del Siglo de Oro.
Ámsterdam fue fundada en el siglo XII como un pequeño pueblo pesquero a mediados de siglo XVI contaba con poco más de 30.000 habitantes. La llegada primero de ricos burgueses que huyeron del saqueo de Amberes, y después de la nutrida colonia de judíos sefarditas procedentes de España y Portugal, impulsaron a la ciudad a un periodo de gran prosperidad en el siglo XVII. En esta época floreció una rica vida cultural plasmada con maestría por los pinceles de los maestros del siglo de Oro holandés.

Iglesia Vieja (Oude Kerk)

Situada a pocas cuadras de la anterior iglesia, este templo religioso de Ámsterdam fue iniciado en estilo Gótico y finalizado siguiendo lineamientos renacentistas. Oude Kerk es el edificio religioso de mayor antigüedad, ya que data del siglo XIV. Como peculiaridad, su tejado de madera presenta a cada lado cuatro brazos de capillas a la manera de pequeños cruceros. Su torre campanario es única y de gran altura, ocupando una posición central sobre la fachada. Su interior se ve iluminado por la luz que ingresa a través de sus esplendidas vidrieras del siglo XVI.
se construyó en honor a San Nicolás, el santo de los marineros Su construcción se inició en el siglo XIII y pasaron más de 300 años hasta ser lo que es hoy en día.
. Fue recién en el siglo XVI que alcanzó sus dimensiones actuales, cuando se adicionaron las capillas al norte y al sur: 60 mts. de ancho por 70 mts. de largo y 20 mts. de altura.en el año 1979 se terminaron las reparaciones y fue entonces cuando adquirió la categoría de Basílica y fue declarado Monumento Europeo.


jueves, 22 de septiembre de 2011

Franklin Ballesteros: El hombre y su obra




La Capilla del hombre

 Rostros de América ( Guayasamín)
Esta obra  fue pintada en la primera etapa creativa pictórica de Guayasamin y refleja el indígena sudamericano, se puede decir que tiene un carácter socio político.
Oswaldo Guayasamín nació el 6 de julio de 1919. Hijo de padre indígena (de ascendencia quichua), y madre mestiza. Su padre trabajaba como carpintero, Oswaldo fue el primero de diez hijos.
Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura. Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.
La obra tiene un sujeto representado por trazos fuertes y definidos la combinación de colores me gusta, la proporcionalidad es algo diferente pero eso hace el estilo del autor, la composición esta concentrada en un elemento central con énfasis horizontal y tendencia horizontal también.

 Los mutilados (Guayasamin)
Esta  obra está Dedicada a las víctimas de la guerra civil española. Está constituido este cuadro por paneles que moviéndolos permiten más de dos millones de posibilidades perfectamente ensambladas. Tiene una ideología socio política y humanista
Oswaldo Guayasamín nació el 6 de julio de 1919. Hijo de padre indígena (de ascendencia quichua), y madre mestiza. Su padre trabajaba como carpintero, Oswaldo fue el primero de diez hijos.
Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura. Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.
Me parece impresionante como se ensamblan los paneles por los que esta compuesta esta pintura y como a la vez tiene un significado en sus variantes. La obra es una composición orgánica con énfasis horizontal y tendencia vertical

 Potosí (Guayasamin)
Es una de las pinturas estrella de la Capilla. Inacabada, Representa a los indígenas muertos en la explotación de la mina de Potosí en un intento de buscar la luz, la salida, la liberación. Tiene una ideología filántropa y a la vez se basa en el sentimiento humano
Oswaldo Guayasamín nació el 6 de julio de 1919. Hijo de padre indígena (de ascendencia quichua), y madre mestiza. Su padre trabajaba como carpintero, Oswaldo fue el primero de diez hijos.
Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura. Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.
La pintura aunque no fue terminada muestra claramente el mensaje y mas aun por el sitio en el que fue hecha que se complementa. Es una composición radial segmentada concentrada en un punto medio con tendencia horizontal.

 Madre india (Guayasamin)
Guayasamín lo pintó a raiz de su visita a la India. Representa a una madre que pretende dar de lactar a su pequeño hijo pero sus senos flácidos están ya secos, estériles pero, además, su pequeño hijo... ya está muerto
Oswaldo Guayasamín nació el 6 de julio de 1919. Hijo de padre indígena (de ascendencia quichua), y madre mestiza. Su padre trabajaba como carpintero, Oswaldo fue el primero de diez hijos.
Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura. Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.
La pintura me parece una escena muy trágica, es una composición con énfasis vertical y tendencia vertical.

Ternura (Guayasamin)
La pintura trata de las emociones humanas y de su alma en si y refleja una de las más esperadas, tiene una ideología un poco espiritual a mi parecer.
Oswaldo Guayasamín nació el 6 de julio de 1919. Hijo de padre indígena (de ascendencia quichua), y madre mestiza. Su padre trabajaba como carpintero, Oswaldo fue el primero de diez hijos.
Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura. Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.
La obra me gusta porque es algo un poco cotidiano y el mensaje se entendería viendo la pintura aun sin ver el título, la obra es una composición  orgánica concentrada en un punto medio con énfasis vertical

 La vista (Eduardo Kingman)
Esta obra  fue elaborada en el año 1943 y es una obra de carácter sociocultural que pretende mostrar la manera de vestir de las personas en la época y la formalidad de esta.
Realizada por Eduardo Kingman, nacido en el año en Loja, 3 de febrero de 1913 - Quito, 27 de noviembre de 1997) fue un pintor ecuatoriano. Hijo segundo del Dr. Edward Kingman y de doña Rosa Riofrío, fue matriculado en la escuela anexa al normal Juan Montalvo donde realizó la primaria, pero como dibujaba desde niño, al terminar el primer curso de secundaria en el Mejía decidió cambiarse a la Escuela de Bellas Artes.En 1933 expuso con Antonio Bellolio en la última muestra de Allere Flamma, al año siguiente hizo varios cuadros que vendió en el salón municipal “Mariano Aguilera” de Quito.Su carrera comenzó como pintor expresionista por sus ideas político-sociales. El tema del dolor y maltrato indígena, ocupará en gran parte la tendencia de este artista. Se hizo célebre por las grandes y poderosas manos de sus personajes, símbolo desasosegado de fuerza. El tema de las manos, se repite en casi todos sus cuadros, esto le ha ganado la reputación de ser “el pintor de las manos”. Esta obra me gusta por ser figurativa y porque muestra en si un estilo de vida y refleja una época, y las figuras en ella expuestas aun al parecer un poco desproporcionadas son visualmente agradables y sus líneas son suaves. Esta es una obra orgánica concentrada en un punto medio, énfasis horizontal y tendencia horizontal.
 La hora oscura (Eduardo Kingman)
Esta obra fue realizada en el año de 1965 y es de carácter sociocultural y político que representa la protesta y opresión de la epoca
Realizada por Eduardo Kingman, nacido en el año en Loja, 3 de febrero de 1913 - Quito, 27 de noviembre de 1997) fue un pintor ecuatoriano.Hijo segundo del Dr. Edward Kingman y de doña Rosa Riofrío, fue matriculado en la escuela anexa al normal Juan Montalvo donde realizó la primaria, pero como dibujaba desde niño, al terminar el primer curso de secundaria en el Mejía decidió cambiarse a la Escuela de Bellas Artes.En 1933 expuso con Antonio Bellolio en la última muestra de Allere Flamma, al año siguiente hizo varios cuadros que vendió en el salón municipal “Mariano Aguilera” de Quito.Su carrera comenzó como pintor expresionista por sus ideas político-sociales. El tema del dolor y maltrato indígena, ocupará en gran parte la tendencia de este artista. Se hizo célebre por las grandes y poderosas manos de sus personajes, símbolo desasosegado de fuerza. El tema de las manos, se repite en casi todos sus cuadros, esto le ha ganado la reputación de ser “el pintor de las manos”.
 La obra me atrae porque denuncia algo, da un mensaje claro de la situación en esa época y a través de los trazos gruesos y marcados con pocas curvas logra su objetivo de mostrar la rudeza como parte del fondo significativo de la pintura, esta es una composición orgánica con énfasis vertical y tendencia vertical.


 Fragmento (Eduardo Kingman)
Esta obra fue realizada en el año de 1965 y es de carácter sociocultural religioso que representa las creencias de una nueva generación indígena.
Realizada por Eduardo Kingman, nacido en el año en Loja, 3 de febrero de 1913 - Quito, 27 de noviembre de 1997) fue un pintor ecuatoriano. Hijo segundo del Dr. Edward Kingman y de doña Rosa Riofrío, fue matriculado en la escuela anexa al normal Juan Montalvo donde realizó la primaria, pero como dibujaba desde niño, al terminar el primer curso de secundaria en el Mejía decidió cambiarse a la Escuela de Bellas Artes.En 1933 expuso con Antonio Bellolio en la última muestra de Allere Flamma, al año siguiente hizo varios cuadros que vendió en el salón municipal “Mariano Aguilera” de Quito. Su carrera comenzó como pintor expresionista por sus ideas político-sociales. El tema del dolor y maltrato indígena, ocupará en gran parte la tendencia de este artista. Se hizo célebre por las grandes y poderosas manos de sus personajes, símbolo desasosegado de fuerza. El tema de las manos, se repite en casi todos sus cuadros, esto le ha ganado la reputación de ser “el pintor de las manos”.
La obra me atrae por el mensaje que da y por la realidad que transmite el personaje principal, el detalle de las manos , propio de este autor le da carácter a la obra , los trazos fuertes dan carácter al personaje , la obra es una composición orgánica concentrada en un punto medio con énfasis vertical y tendencia vertical



 Lluvioso (Eduardo Kingman)
La obra representa la cotidianidad de un pueblo , por eso es de carácter sociocultural, fue pintada en 1974
Realizada por Eduardo Kingman, nacido en el año en Loja, 3 de febrero de 1913 - Quito, 27 de noviembre de 1997) fue un pintor ecuatoriano. Hijo segundo del Dr. Edward Kingman y de doña Rosa Riofrío, fue matriculado en la escuela anexa al normal Juan Montalvo donde realizó la primaria, pero como dibujaba desde niño, al terminar el primer curso de secundaria en el Mejía decidió cambiarse a la Escuela de Bellas Artes.En 1933 expuso con Antonio Bellolio en la última muestra de Allere Flamma, al año siguiente hizo varios cuadros que vendió en el salón municipal “Mariano Aguilera” de Quito. Su carrera comenzó como pintor expresionista por sus ideas político-sociales. El tema del dolor y maltrato indígena, ocupará en gran parte la tendencia de este artista. Se hizo célebre por las grandes y poderosas manos de sus personajes, símbolo desasosegado de fuerza. El tema de las manos, se repite en casi todos sus cuadros, esto le ha ganado la reputación de ser “el pintor de las manos”.
La obra me gusta porque tiene colores opacos y las líneas no son tan fuertes como las otras pinturas de este artista también parece que están en un plano elevado los sujetos y deja ver mas el cielo que la ciudad y eso s interesante
La obra es un composición orgánica concentrada en un punto medio con énfasis vertical y tendencia horizontal.

El beso (Eduardo Kingman)
Esta es una obra de carácter humanista artesanal que muestra amor
Realizada por Eduardo Kingman, nacido en el año en Loja, 3 de febrero de 1913 - Quito, 27 de noviembre de 1997) fue un pintor ecuatoriano. Hijo segundo del Dr. Edward Kingman y de doña Rosa Riofrío, fue matriculado en la escuela anexa al normal Juan Montalvo donde realizó la primaria, pero como dibujaba desde niño, al terminar el primer curso de secundaria en el Mejía decidió cambiarse a la Escuela de Bellas Artes.En 1933 expuso con Antonio Bellolio en la última muestra de Allere Flamma, al año siguiente hizo varios cuadros que vendió en el salón municipal “Mariano Aguilera” de Quito. Su carrera comenzó como pintor expresionista por sus ideas político-sociales. El tema del dolor y maltrato indígena, ocupará en gran parte la tendencia de este artista. Se hizo célebre por las grandes y poderosas manos de sus personajes, símbolo desasosegado de fuerza. El tema de las manos, se repite en casi todos sus cuadros, esto le ha ganado la reputación de ser “el pintor de las manos”.
La obra es muy figurativa y lo que en ella transmite me gusta , también los colores que en ella se aprecian son colores un poco neutros que van con el personaje principal y ayudan mucho a la escena. La composición es orgánica concentrada en un punto medio con énfasis vertical y tendencia vertical

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La vista (Eduardo Kingman)
Esta obra  fue elaborada en el año 1943 y es una obra de carácter sociocultural que pretende mostrar la manera de vestir de las personas en la época y la formalidad de esta.
Realizada por Eduardo Kingman, nacido en el año en Loja, 3 de febrero de 1913 - Quito, 27 de noviembre de 1997) fue un pintor ecuatoriano. Hijo segundo del Dr. Edward Kingman y de doña Rosa Riofrío, fue matriculado en la escuela anexa al normal Juan Montalvo donde realizó la primaria, pero como dibujaba desde niño, al terminar el primer curso de secundaria en el Mejía decidió cambiarse a la Escuela de Bellas Artes.En 1933 expuso con Antonio Bellolio en la última muestra de Allere Flamma, al año siguiente hizo varios cuadros que vendió en el salón municipal “Mariano Aguilera” de Quito.Su carrera comenzó como pintor expresionista por sus ideas político-sociales. El tema del dolor y maltrato indígena, ocupará en gran parte la tendencia de este artista. Se hizo célebre por las grandes y poderosas manos de sus personajes, símbolo desasosegado de fuerza. El tema de las manos, se repite en casi todos sus cuadros, esto le ha ganado la reputación de ser “el pintor de las manos”. Esta obra me gusta por ser figurativa y porque muestra en si un estilo de vida y refleja una época, y las figuras en ella expuestas aun al parecer un poco desproporcionadas son visualmente agradables y sus líneas son suaves. Esta es una obra orgánica concentrada en un punto medio, énfasis horizontal y tendencia horizontal.